Импрессионизм и модерн в русском искусстве

Новая выставка! Впервые в динамичном формате. Экспозиция выставки посвящена основным путям развития русского искусства на рубеже веков, а также определяющей роли модерна и импрессионизма в становлении русского авангарда.

18 марта открылась динамичная выставка «Импрессионизм и модерн в русском искусстве».

Импрессионизм — наблюдение за непостоянством и попытка запечатлеть его на полотне. Мы хотим, чтобы зритель не просто познакомился с импрессионизмом в живописи, мы хотим, чтобы каждый посетитель смог проникнуть в самую суть этого явления.

Вся экспозиция подчинена принципу постоянного движения и внутренней динамики. Как живой организм, композиция полотен и их развеска в пространстве двух залов меняется на протяжении всей выставки. Новые полотна будут возникать и исчезать во времени, сменять друг друга и снова появляться, но уже в совершенно новом месте, а иногда исчезать и вовсе насовсем. Поэтому, вернувшись в галерею через месяц, Вы сможете увидеть совершенную другую, не похожую на прежнюю выставку русских живописцев.

На этот раз мы решили отказаться от традиционного формата проведения вернисажа для того, чтобы передать настроение экспозиции в атмосфере тихого, неспешного созерцания, на территории, свободной от слов и суеты, где лишь ваши мысли станут гидом по живописи импрессионизма и модерна. Знакомство будет проходить непосредственно между зрителем и экспозицией, наедине, без посредников, без отвлечения. Чистое созерцание и погружение в мир импрессионизма.

Тет-а-тет!


Вещилов Константин Александрович «Дерево».


«Импрессионизм и модерн в русском искусстве».

 

«Центр Искусств. Москва» продолжает цикл выставок, посвященных вехам в истории искусства, и представляет новый выставочный проект «Импрессионизм и модерн в русском искусстве». Более 50 произведений охватывают историю русского искусства 1890-х – начала 1940-х годов, среди имен – К. А. Коровин, И. Е. Репин, Б. Д. Григорьев, Н. С. Гончарова, П. П. Кончаловский, К. А. Вещилов, Н. К. Рерих, С. Н. Рерих, В. И. Суриков, А. П. Рябушкин, А. К. Богомазов, Л. С. Бакст, Б. М. Кустодиев, В. И. Шухаев, А. Е. Яковлев,  Г. А. Пожидаев, В. К. Бялыницкий-Бируля, И. И. Бродский, В. С. Сварог, А. В. Исупов, В. М. Васнецов, А. Я. Головин, И. Э. Грабарь, А. В. Куприн, В. В. Лебедев, О. Э. Браз, С. В. Герасимов, Тамара де Лемпицка, И. Ф. Шультце, Л. Ю. Крамаренко, А. В. Шевченко и другие. 

Выставка посвящена основным путям развития русского искусства на рубеже веков, а также определяющей роли модерна и импрессионизма в становлении русского авангарда. Модерн и импрессионизм имеют разные истоки, однако, оба направления объединены тенденцией к обобщению образов и вниманию к цвету как важному художественно-выразительному средству живописи.

Продолжая традицию, «Центр Искусств. Москва» экспонирует произведения искусства именитых и редких художников из частных коллекций. Наследие целой плеяды замечательных живописцев эпохи пока остается малоизученным и незнакомым широкой публике. Актуальность выставки подчеркивается тем, что 2021 год станет юбилейным для многих художников. В 2021 году исполняется 160 лет со дня рождения Константина Коровина, 145 лет – со дня рождения Петра Кончаловского, 140 лет – со дня рождения Натальи Гончаровой, 135 лет – со дня рождения Роберта Фалька.

В 1874 году в Париже прошла первая выставка импрессионистов. В том же году в Париже в рамках пенсионерской поездки проходили обучение Василий Поленов (1844 – 1927) и Илья Репин (1844 – 1930). Из мастерских этих двух художников вышло следующее поколение русских живописцев, творчество которых развивалось в русле модерна и импрессионизма. У мастера пленэра Поленова учился блистательный русский импрессионист Константин Коровин. Первой импрессионистической картиной считается его работа 1887 года. Для самого яркого художественного объединения рубежа веков – «Мир искусства» – подготовили почву Михаил Нестеров и Василий Суриков, обращавшиеся к русской истории. Ретроспективизм стал одной из характеристик живописи модерна, наряду с идеей красоты как основы творчества. Картины Нестерова и Сурикова представлены в экспозиции  «Центра Искусств. Москва». У Репина учились Осип Браз, Исаак Бродский, Василий Сварог, Борис Кустодиев, Константин Вещилов. Браз, Бродский и Кустодиев выставляли свои произведения в рамках объединения «Мира искусства». Бродский и Сварог стали признанными советскими мэтрами живописи.

С именем Архипа Куинджи (1842 – 1910) связан другой путь развития русского искусства.  По выражению Репина, «иллюзия света была его богом», которую он передал своим ученикам и последователям-членам Общества художников имени А. И. Куинджи. Светоносную традицию живописи продолжили Иван Шультце, Константин Вещилов, Николай Рерих, Витольд Бялыницкий-Бируля. Выставка «Импрессионизм и модерн в русском искусстве» великолепно иллюстрирует эту страницу истории русской живописи произведениями вышеперечисленных мастеров.

Экспозиция демонстрирует следующие наиболее радикальные изменения в русском искусстве начала XX века, когда интерес к модерну и импрессионизму сменила идея тотального господства цвета как ведущего художественно-выразительного средства, подчеркивающего материальность, а не сиюминутность бытия. В мастерской Константина Коровина учились будущие мастера постимпрессионизма и авангарда, среди них — Роберт Фальк, Павел Кузнецов, Наталья Гончарова, Сергей Герасимов. Кончаловский, Гончарова и Фальк стали пионерами раннего авангарда, выставлялись в рамках художественного объединения «Бубновый валет». Другие ученики Коровина – Алексей Исупов и Сергей Герасимов – развивали традиции пейзажной живописи на стыке импрессионизма и модерна.

Выставка «Импрессионизм и модерн в русском искусстве» «Центра Искусств. Москва» полно отражает обширное многообразие путей развития русского искусства конца XIX – первой трети XX века.

Рождение импрессионизма в России

 

В 1874 году в Париже на бульваре Капуцинок состоялась выставка молодых французских художников, картины которых были отвергнуты академическим Салоном. Полотно «Впечатление. Заход солнца» Клода Моне дало название течению в искусстве. Критик Луи Леруа из журнала «Ле Шаривари» назвал художников «впечатленцами» (импрессионистами). В 1874 году во Франции в рамках пенсионерских поездок работали Василий Поленов и Илья Репин. Манера письма и сюжеты полотен позволяют относить часть художественного наследия Репина и Поленова к протоимпрессионизму. Впоследствии Поленов войдет в историю как мастер пленэрной пейзажной живописи и учитель самого известного русского импрессиониста – Константина Коровина. Пейзажи Поленова исполнены света, что совпадало с его творческим кредо: «Мне кажется, что искусство должно давать счастье и радость, иначе оно ничего не стоит» (из письма 1888 года к В. М. Васнецову). Илья Репин был близок к импрессионизму как к художественному методу на определенных этапах творческого пути, хотя он сам отвергал «акробатику кисти, живописность ради живописности». В разное время у Репина проходили обучение художники – Осип Браз, Исаак Бродский, Василий Сварог, Борис Кустодиев, Константин Вещилов, Филипп Малявин.  Выбор сюжета, пластичность и широкая манера письма были характеры некоторым ранним и поздним произведениям мастера. Одно из них – «Маруся» 1924 года – представлено на выставке.

Илья Репин. Маруся. 1924

 

Блистательный русский импрессионист Константин Коровин, с одной стороны, развивал художественные эксперименты на пленэре Поленова, с другой – органично воспринял и переосмыслил новации современной европейской живописи. В конце 1870-х годов в творчестве Коровина появляются этюды Парижа, созданные по рассказам Поленова. Французская столица с ее динамизмом большого города стала одним из самых ярких мотивов творчества Коровина, который он пронес через всю жизнь, и продолжал писать, находясь в эмиграции. В таких работах мастер наделяет фактуру и цвет сюжетной выразительностью. Один из парижских видов представлен на выставке. Атмосферу парижского утра Коровин передает с помощью сложного колорита, построенного на сочетании синих, зеленых, розовых, сиреневых цветов. Искусствовед А. Я. Головин (1863 — 1930) считал, что лишь немногие французы могли конкурировать с Коровиным в изображении Парижа. Находясь в тягостной для художника эмиграции, мастер писал:

 

«Конечно, хотя я пишу и Париж, пишу красками и нахожусь в Париже, но душой живу больше в Охотине, и вижу, как теперь опали листья сада, пахнет сыростью, землей и осенними листьями, а в бочку кладут рубленую капусту и засаливают грузди, и будто я ем рыжики в сметане. У сарая нахохлились от дождя куры. Дорога грязная и в воздухе слышен запах дыма от овина и стучат цепи — молотят рожь»

(из письма Коровина к Федору Шаляпину от 27 октября 1938 года).

 

Коровин с присущей ему пленэрно-импрессионистической манерой письма чутко передавал переходные состояния природы и на Родине в России. В 1897 году он приобрел у мецената и покровителя Саввы Мамонтова землю на берегу реки Нерль во Владимирской губернии. Деревня Охотино стала для Коровина центральным объектом зарисовок и пленэрных штудий. Светлый или темноватый колорит пейзажных деревенских работ того периода отражает  лирическую наполненность пейзажа.

Считается, что именно в Охотино возник особый поджанр в творчестве Коровина, получивший название «ноктюрн». По вечерам близкие Коровина собирались в доме, а мастер писал этюды. Еще в 1889 году, по словам Елены Поленовой, мастер начал задумываться над тем, «чтобы выходила не живопись, а музыка». Энергия мазка и тональность колорита Коровина делали из его полотен живопись музыкального свойства.

 

Мастер света Константин Вещилов

 

Константин Вещилов – один из самых ярких и многосторонних талантов рубежа веков. Ученик И. Е. Репина. Выпускник Академии художеств в Санкт-Петербурге (золотая медаль, 1904 год, лауреат пенсионерской поездки в Рим). Художник Морского министерства, автор полотен, посвященных русско-японской войне. В наследии Вещилова – полотна на исторические, бытовые сюжеты, портреты, натюрморты и пейзажи. В 1922 году мастер эмигрировал сначала в Италию, потом во Францию и впоследствии в Нью-Йорк.

В период до эмиграции наследие мастера состояло преимущественно из исторических полотен и картин бытового жанра. Пейзажи отличались сероватым колоритом. Вещилов-колорист раскрылся благодаря поездкам на юг и созерцанию яркого контрастного южного освещения. В историю искусства он вошел как мастер русской школы люминизма (лат. lumen – свет) наряду с А. И. Куинджи и И. Ф. Шультце. В 1905 году художник был удостоен премии Куинджи. Природное колористическое дарование художника и быстрая широкая манера письма, которой он научился у Репина, в полной мере обнажили талант Вещилова в постэмиграционный период. Свет и цвет стали главными героями картин мастера. Живопись Вещилова пользовалась громким успехом в Париже и Нью-Йорке.

Константин Вещилов. Натюрморт. Гурзуф. 1910 – 1920-е годы

Константин Вещилов. Натюрморт. Гурзуф. 1910 – 1920-е годы

«Яблоневый сад» Петра Кончаловского

 

С мастерской Коровина были связаны другие талантливые художники: Алексей Исупов, Наталья Гончарова, Сергей Герасимов. Их произведения представлены в рамках выставки. Многие ученики развивали в своей живописи импрессионистическое направление, другие возглавили авангард в искусстве. Творческое объединение раннего авангарда «Бубновый валет» экспонировало произведения Кончаловского, Гончаровой и Роберта Фалька. В рамках проекта «Импрессионизм и модерн в русском искусстве» представлены четыре работы Петра Кончаловского, отражающие его творческую эволюцию: от ранних импрессионистических увлечений («Поле», 1907) через искания после распада «Бубнового валета» к соцреализму. Картина «Яблоневый сад» (1921) – квинтэссенция творческих поисков мастера. Художник так описывал работы этого периода: «В моих абрамцевских дубах есть еще, конечно, связанность живописи с сезанновскими методами, которыми я привык работать и с которыми сроднился. Но отношение к природе у меня было теперь другое, не-сезанновское. Страстно хотелось создать живой пейзаж, в котором деревья не просто торчат, воткнутые в землю, как это часто приходится видеть в современной живописи, а логически вырастают из земли, как у старых мастеров, чтобы зритель чувствовал их корни. А для этого надо было прежде всего логически построить каждое дерево также, как строится здание, от самого фундамента до крыши, от ушедших в землю корней до листвы верхушек».

 

Петр Кончаловский. Яблоневый сад. 1921